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Un plano secuencia es, en el cine y la televisión, una técnica
de planificación de rodaje que consiste en la realización
de una toma sin cortes durante un tiempo bastante dilatado,
pudiendo usar travellings y diferentes tamaños de planos y
ángulos en el seguimiento de los personajes o en la exposición
de un escenario. Se puede utilizar para un efecto dramático
y narrativo si se hace correctamente, y en tomas en movimiento
a menudo se logra mediante el uso de una plataforma rodante
o una Steadicam. Constituye uno de los elementos de la sintaxis
fílmica más complejos en el aspecto técnico de la cinematografía.
Este procedimiento no se usa habitualmente debido al gran
número de elementos que deben coordinarse (actores, cámara,
iluminación, etc.), debiendo iniciarse de nuevo desde el principio
si algunos de ellos falla. Por este mismo motivo resulta más
costoso que una planificación más fragmentada. Uno de los
planos secuencia más famosos de la historia del cine pertenece
al arranque de la película Touch of Evil de Orson Welles,
en el que el suspenso, centrado en cuándo estallará una bomba
colocada en un coche que atraviesa el centro de la ciudad,
se combina con la presentación de la pareja protagonista,
todo ello envuelto por el ritmo sincopado de un tema de Henry
Mancini.
Un plano secuencia puede durar desde algunas decenas de segundos
a algunos minutos, el límite técnico al cine (antes de la
era digital) era el de la duración de una bobina de película
(aproximadamente 12 minutos). Hoy, los diferentes soportes
digitales ofrecen en cambio muchas más posibilidades ya que
ciertas cámaras pueden rodar hasta dos horas sin parar. La
noción de «larga duración» es pues muy subjetiva.
Efectos buscados son dar dinamismo a una escena, seguir la
acción o descubrir un lugar como lo hace el héroe (identificación),
penetrar un universo, presentar la simultaneidad de escenas
adyacentes y enseñar la acción en tiempo real.
El plano secuencia a menudo es difícil de dominar, sobre
todo en movimientos de cámara y de actores, ya que hay que
estudiar el campo de la cámara (momento en el que los actores
entran y salen del campo, los accesorios como los micrófonos
y proyectores no se tienen que ver). De ahí la necesidad de
repetirlo antes, para que todos los que intervienen (actores
y técnicos) estén de acuerdo.
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Ejemplos claros de cómo un plano secuencia favorece
e intensifica la acción se encuentran en cintas como Oldboy
(2003), o El renacido (2015), donde se luce Alejandro González
Iñárritu, quien tiene predilección por este tipo de técnica.
Hijos de los hombres (Alfonso Cuarón, 2006) ofrece varios
durante esta película apocalíptica rodada en inglés. En este
caso está todo rodado cámara al hombro, pero la puesta en
escena es muy compleja, al tratarse de una situación de guerra.
El secreto de sus ojos (Juan José Campanella, 2007) maravilló
al mundo con esta película que ganó el Óscar a Mejor película
de habla no inglesa. Pero sin duda alguna, nos dejó con la
boca abierta con este plano secuencia en la escena del estadio
de fútbol, que comienza con un plano aéreo. Ricardo Darín
protagoniza un excelente ejemplo por las gradas de un estadio
en El secreto de sus ojos.
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Al filmar La soga (1948), Alfred Hitchcock pretendía que
la película tuviera el efecto de una toma larga continua,
pero las cámaras disponibles no podían contener más de 1000
pies de película de 35 mm. Como resultado, cada toma usaba
hasta un rollo completo de película y duraba hasta 10 minutos.
Por eso muchas de sus tomas terminan con un travelling a una
superficie neutra y sin rasgos distintivos (como la espalda
de la chaqueta de un personaje), para realizar el empalme
con la siguiente toma por medio de un zoom inverso. Toda la
película se compone de sólo 11 tomas.
Un análisis completo de los cortes ocultos y convencionales
de Hitchcock en La soga.
Andy Warhol y el cineasta vanguardista colaborador Jonas
Mekas filmaron la película experimental Empire (1964), de
485 minutos de duración, en 10 rollos de película con una
cámara Auricon de película de 16 mm que permitía tomas más
largas que su contraparte de 35 mm. La cámara tomó un rollo
de 1.200 pies de película que rodaría durante aproximadamente
33 minutos. La longitud de una toma estaba originalmente limitada
a la cantidad de película que una cámara podía tener, pero
la llegada del vídeo digital ha alargado considerablemente
la longitud máxima de una toma. Algunos largometrajes estrenados,
como Timecode (2000), El arca rusa (2002), PVC-1 (2007), La
casa muda (2010) y Victoria (2015) se rodaron en una sola
toma, otros se componen enteramente de una serie de tomas
largas, mientras que muchos más pueden ser conocidos por uno
o dos planos secuencia específicos dentro de películas convencionalmente
editadas, por lo general al principio de las mismas, como
en La hoguera de las vanidades (1990) de Brian De Palma o
en los osados tres plano-secuencias simultáneos en pantalla
dividida que convergen en un triple primer plano al principio
de The Grifters de Stephen Frears, también en 1990.
Stephen Frears ha cosechado grandes éxitos de
público y crítica.
En 2012, el colectivo artístico The Hut Project produjo The
Look of Performance, una película digital de una sola toma
de 360° que dura 3 horas, 33 minutos y 8 segundos. La película
se filmó a 50 cuadros por segundo, es decir, el trabajo final
exhibido dura 7 horas, 6 minutos y 17 segundos.
El plano secuencia se utiliza muy poco en la televisión,
debido a su complejidad y alto dominio necesario. Una excepción
es el episodio Triángulo de The X-Files (Temporada 6, Episodio
3), dirigido (y escrito) por el creador de la serie Chris
Carter. Los 44 minutos del episodio se filmaron en cuatro
tomas encadenadas de 11 minutos de duración, como si todo
el episodio estuviese filmado en una sola toma. La serie televisiva
Mad About You, protagonizada por Helen Hunt y Paul Reiser,
en su episodio 9 de la sexta temporada "La Conversación" hizo
uso del plano secuencia filmando el capítulo íntegramente
en una sola toma. Al final del capítulo, Paul y Jamie están
sentados en el sillón del salón viendo una película, y él
le cuenta a ella que lo que estaban viendo fue filmado en
una sola toma, e intenta explicarle lo difícil que es llevar
a cabo un plano secuencial, ella le resta importancia. Una
de las razones por las que es muy raro ver este tipo de planos
en una serie televisada, es la necesidad de cortes comerciales.
El encargado de dirigir dicho episodio fue el director Gordon
Hunt, padre de Helen Hunt, conocido por dirigir episodios
de Los pitufos y Los supersónicos entre otros. La miniserie
francesa El colapso (2019), una distopía sobre el derrumbe
de la civilización occidental, se compone de ocho episodios
de 20 minutos rodados cada uno en un único plano secuencia
dinámico.
Con el estreno de 1917 esta forma narrativa
que tanto hipnotiza volvió a estar en boca de todos.
Y es que sin lugar a dudas el trabajo de Sam Mendes es toda
una proeza cinematográfica. El llamado falso plano secuencia,
con trucos como el de Hitchcock en 1948, implicó al
director de fotografía en la obra de Mendes.
Algunas películas con planos secuencia célebres o notables
serian ...
Amanecer (1927, Friedrich Wilhelm Murnau), cuando el marido
se adelanta al encuentro de la esposa por la noche. Se trata
de uno de los primeros planos secuencia del cine. Ninotchka
(1939, Ernst Lubitsch), enviada a París por el gobierno soviético
para supervisar la venta de joyas robadas durante la Revolución
Rusa, encuentra al Conde Léon d'Algout que está encargado
de recuperarlas para su antigua propietaria. Prueba todos
sus encantos con la glacial Ninotchka y consigue romper el
hielo en el transcurso de un largo plano secuencia donde intenta
hacerla sonreír contándole un chiste. La salida no es la esperada,
el Conde se hunde en su sillón mientras que Ninotchka se marcha
con una gran risa loca. La historia del último crisantemo
(1939, Kenji Mizoguchi) contiene un plano secuencia de cinco
minutos. El director japonés está considerado uno de los pioneros
en dicha técnica.
Under Capricorn (1949) y sobre todo Rope (1948), de Alfred
Hitchcock, la película —habría que llamarlo teatro filmado—
se desarrolla casi sin interrupción con un trucaje para pasar
de una bobina a otra. Hitchcock había hecho fabricar bobinas
especiales para poder filmar las escenas, pues las de la época
no permitían filmar más que una decena de minutos. Nacida
ayer (Born Yesterday) (1950, George Cukor), una memorable
partida de cartas en la que participa Harry Brock, hombre
de negocios un tanto desvergonzado que va a Washington para
intentar corromper a un senador. Otelo, el moro de Venecia
(1952, Orson Welles), un plano secuencia rodado en una playa
simplemente con un jeep como único accesorio (para llevar
la cámara). Las vacaciones del Sr. Hulot (1953, Jacques Tati),
Mr. Hulot, de visita en la casa de la chica de la está torpemente
enamorado, examina discretamente los cuadros y el mobiliario
del salón, mientras se prepara para su paseo a caballo. Intenta
enderezar los cuadros torcidos con el extremo de su fusta,
hasta que una de sus espuelas hace caer una piel de zorro.
Senderos de gloria (Paths of glory) (1957, Stanley Kubrick),
un travelling tras un oficial (Kirk Douglas) que avanza y
pasa revista a sus soldados antes del ataque.
Kenji Mizoguchi fue un director de cine japonés.
Es considerado, por su maestría como narrador de historias
y por su dominio técnico, uno de los directores más influyentes
del siglo XX.
Touch of Evil (1958, Orson Welles), sobre todo con su movimiento
de grúa (la cámara pasa sobre la frontera de Tijuana para
seguir el recorrido del coche), interrumpido repentinamente
por la explosión de una bomba. El comienzo de El juego de
Hollywood (1992, Robert Altman) le hace un guiño y es una
referencia directa a Touch of Evil. El verdugo (1963, Luis
García Berlanga) muestra la angustia del protagonista, arrastrado
contra su voluntad a cumplir su función de ejecutor, en un
plano general de varios minutos en una sola toma. Soy Cuba
(1964, Mijaíl Kalatózov), que cuenta la Revolución castrista
en Cuba en los años 1960, los planos secuencia son filmados
con una gran preocupación por la estética, en particular la
escena del grupo de música de jazz sobre el edificio, que
la cámara deja para hundirse más abajo en el agua agitada
de una piscina.
El homicidio de David Locke (interpretado por Jack Nicholson)
en Professione: reporter (1974, Michelangelo Antonioni): se
ve a David Locke tendido en su cama, vivo; la cámara se gira
hacia la ventana enrejada, atraviesa esta para seguir una
autoescuela en un patio, se escucha una detonación, y se sigue
al coche para rodear la casa y volver a la habitación por
la puerta donde se descubre a Locke sobre la misma cama, ahora
muerto. El espejo (1975), al igual que las demás películas
de Andrei Tarkovsky, contiene numerosos planos secuencia,
destacando la escena del incendio de una casa bajo la lluvia
filmado desde el interior de otra. The Shining (1980), Stanley
Kubrick utiliza el steadicam y confirma la fluidez de los
movimientos del aparato, por ejemplo cuando el joven Danny
atraviesa el hotel con su triciclo, cuando Wendy es perseguida
por Jack en la escalera o durante la famosa persecución final
en el laberinto. Ven y mira (Idí i smotrí, 1984, Elem Klímov),
donde se siguen las desventuras de un joven guerrillero en
el campo bielorruso destrozado por las masacres nazis, se
encuentran largos planos secuencia, sobre todo en la escena
donde el pueblo es quemado con sus habitantes, o incluso un
plano secuencia particularmente visual sobre la travesía de
una ciénaga por el joven partisano. Slacker (película de 1991)
escrita y dirigida por Richard Linklater.
La curiosidad de Danny ...
Kubrick hizo también algunos planos secuencia
muy recordados gracias al uso de la steadicam en The Shining
(El resplandor). Con este nuevo invento, la cámara podía seguir
al niño recorriendo el hotel vacío en su triciclo, hasta llegar
a la habitación 237. Añadiendo un uso espectacular del sonido,
Kubrick nos genera desasosiego y la incertidumbre de que algo
puede suceder al doblar cualquier esquina.
La mirada de Ulises (1995, Theo Angelopoulos) desarrolla
un plano secuencia que abarca varias décadas de la historia
de Grecia en una sola toma fija de un baile en el interior
de una casa. Elephant (2003, Gus van Sant) describe los preámbulos
de la masacre de Columbine mediante largos planos secuencia
a través de los pasillos del instituto. Armonías de Werckmeister
(2000, Béla Tarr) muestra en un solo plano la irrupción de
una muchedumbre enloquecida en un hospital, culminando con
la imagen de un anciano enfermo y desnudo que paraliza a los
asaltantes. Irreversible (2002 Gaspar Noé), realiza un filme
con un total de 12 planos secuencia, incluyendo uno de una
violación anal a Monica Bellucci; esta se ha convertido en
una de las escenas más polémicas del cine. Oldboy (2003, Chan-wook
Park) contiene una de las mejores escenas de lucha contemporáneas.
Hijos de los hombres (2006, Alfonso Cuarón) incluye un espectacular
plano continuo de un tiroteo desde el interior de un coche.
Expiación (2007, Joe Wright), contiene una escena en la playa
y alrededores donde descansan los soldados. JCVD (2008, Mabrouk
el Mechri), Jean-Claude Van Damme realiza en plano secuencia
una escena de combate de 3 minutos y más tarde continúa con
un monólogo que alarga el plano hasta siete minutos.
Rodando el plano secuencia de Hijos de los hombres.
El secreto de sus ojos (2007, Juan José Campanella), realiza
un plano secuencia en la llamada "escena del juez", cuando
la juez Irene Menéndez (interpretada por Soledad Villamil)
llama a sus subordinados Benjamín Espósito (interpretado por
Ricardo Darín) y Pablo Sandoval (interpretado por Guillermo
Francella). En esta escena, la juez Menéndez pide explicaciones
y a la vez reprende a sus subordinados por haber desoído una
orden dictada por ella misma. La escena se realiza en un despacho
judicial, dura aproximadamente tres minutos. Sin embargo,
existe un plano secuencia aún más complejo que es el de la
escena de la cancha de Huracán. En este plano, la toma arranca
desde un helicóptero abarcando la totalidad del estadio de
fútbol, y, luego de dos cortes camuflados, prosigue en la
cámara en mano de un camarógrafo que sigue a los protagonistas
en una persecución por las instalaciones del estadio hasta
la captura del sospechoso dentro del campo de juego. Durante
la filmación de esta escena, el camarógrafo encargado de seguir
a los protagonistas debió realizar una caída de aproximadamente
tres metros con la cámara en mano. Birdman o la inesperada
virtud de la ignorancia (2014, Alejandro González Iñárritu)
está editada digitalmente para simular un único plano secuencia
que abarca toda la película. El Clan (2015, Pablo Trapero):
el plano se desarrolla dentro del auto de Arquímedes y sigue
lo que sería el intento de secuestro y el posterior asesinato
de Emilio Naum.
Martin Scorsese es otro director al que le encantan los planos
secuencia. Ha rodado algunos míticos en películas como Godfellas
(1990) o Gangs of New York (2002) o Hugo (2019).
En Gangs of New York (2002) y en una sola toma, se puede
ver cómo emigrantes irlandeses llegan, en barco, a Norteamérica;
se alistan en el ejército; se ponen el uniforme; parten a
la guerra en otro barco y cómo vuelven féretros con los cadáveres
de combatientes. Todo en un minuto y sin un solo corte.
El Exorcista III (1990) dirigida por William Peter Blatty.
Escena del asesinato en el psiquiátrico. Todos somos Óscar
(2019) Película costarricense dirigida por Tito Oses, Tercer
acto Plano Secuencia. Goodfellas (1990, Martin Scorsese),
en una sola toma muestra el ingreso al club Copacabana por
la entrada trasera, luego avanza a través de varios pasillos
estrechos, la cocina del restaurante, y finalmente las mesas
del establecimiento. 1917 (2019, Sam Mendes), varias tomas
prolongadas editadas de manera que se da la apariencia que
la película fue realizada en una toma.
Hay muchos ejemplos de plano secuencia en películas de Luis
García Berlanga, porque también fue un maestro de este tipo
de planos, involucrando a muchos actores en escena. El Sur
(Víctor Erice, 1983) elabora una escena de baile que comienza
y acaba con el mismo plano, después de un baile en el que
se realizan diferentes encuadres de seguimiento.
La tecnología actual permite hacerlo. Pero era muy difícil
hacerlo en el siglo XX, salvo que rodases en vídeo, que aún
no tenía la calidad actual. Hoy en día, si es posible, y cada
año vemos varias películas rodadas en plano secuencia. Para
muestra, tenemos el ejemplo de la frenética película inglesa
Boiling (Philip Barantini, 2021), o dos películas de habla
hispana muy recientes, como Una noche con Adela (Hugo Ruiz,
2023) y El castigo (Matías Bize, 2023).
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El plano secuencia consiste, como su propio
nombre indica, en un plano que abarca una secuencia completa.
Esto quiere decir que una secuencia completa del guión literario,
se rodará en un solo plano. No habrá un montaje de varios
planos, como suele ser habitual. Este plano puede ser fijo,
o puede incluir movimientos de cámara. Puede tener diferentes
tamaños de plano desde que se inicia hasta que termina. E
incluso puede llegar a prolongarse durante toda una película
completa. Aunque hay que destacar que a veces usamos mal este
término, ya que en un rodaje puede que llamemos plano secuencia
a un plano que ocupa una gran parte de la secuencia, aunque
no sea el único de esa secuencia.
Un plano secuencia transmite al espectador la
sensación de cercanía, de estar ahí. De esta forma, nos puede
situar en el punto de vista del protagonista. Además, al no
haber cortes, el tiempo de la película es el mismo que en
la realidad. No hay ninguna elipsis temporal.
Cada plano secuencia es un mundo, al igual que
cada película. Rodar en plano secuencia implica una mayor
dificultad a la hora de rodar, desde el punto de vista de
la técnica. Incluso aunque el plano sea fijo, se deben dirigir
muy bien a los actores porque en principio no se puede arreglar
ningún fallo en el montaje, salvo que recurramos a los efectos
visuales en postproducción. Si además hay un movimiento de
cámara como un travelling, por ejemplo, tendremos que coordinar
muy bien a todo el equipo para dar el ritmo exacto, ya que
no tendremos posibilidad de imprimir ese ritmo en el montaje
alternando diferentes ángulos de cámara, como suele suceder
habitualmente. Y si el plano requiere mucha figuración, requerirá
una gran coordinación que será orquestada por el ayudante
de dirección en el rodaje. Desde las posiciones de los actores,
a las de todo el equipo técnico, con especial atención al
equipo de cámara y sonido. Un auténtico reto para cineastas
y como espectadores. Por lo tanto, puede llevar horas, días
e incluso semanas o meses preparar un plano secuencia. Depende
de su complejidad.
Sam Mendes (dr) y Roger Deakins en el rodaje
de 1917. Hablar de '1917' implica, irremediablemente, hacerlo
de un Roger Deakins que se ha ganado a pulso un puesto en
el Olimpo de los mejores directores de fotografía de todos
los tiempos. En esta ocasión, el británico ha llevado un paso
más allá lo visto en prodigios como 'Blade Runner 2049', 'Sicario'
o 'Skyfall', firmando una virguería técnica que encuentra
en su mayor aliada a la cámara Alexa mini LF de la compañía
ARRI —equipada con lentes Arri Signature Prime Lenses que
permiten ese look limpio, realista y sin distracciones marca
de la casa—.
Las primeras películas de la Historia del cine,
a finales del siglo XIX, se rodaban en plano secuencia. Además,
se hacían en plano fijo. La cámara se colocaba sobre el trípode,
y rodaban películas cortas completas, capturando esa realidad
como si fuese un cuadro en movimiento. A medida que se fue
descubriendo la magia del montaje en esos primeros años, el
lenguaje cinematográfico se fue enriqueciendo cada vez más
con diferentes tamaños de plano. Uno de los planos secuencia
más venerados de la etapa del cine mudo se rodó ya en el año
1927. El cineasta alemán Friedrich Wilhelm Murnau hizo una
de las obras cumbre de este periodo con Sunrise (Amanecer).
En ella, había movimientos de cámara y planos dirigidos de
forma exquisita.
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En 1948, el genio del suspense Alfred Hitchcock
hizo una película con muy pocos planos secuencia. Probablemente
Hitchcock hubiese sido capaz de hacerlo, pero la tecnología
de aquella época se lo impidió. Los rollos de cine tenían
una duración limitada. Por eso tiene 10 cortes de montaje.
Algunos disimulados, y otros no. La película se titula Rope
(en México y en España se llamó La soga; en Argentina, Festín
diabólico). Cada escena dura diez minutos, así que Hitchcock
utilizó sus habilidades como cineasta para disimular algunos
de los cortes.
Touch of evil (Sed de mal, Orson Welles, 1958)
comienza con un plano secuencia que te deja con la boca abierta
si sabes lo que cuesta rodarlo. Dirigida por Orson Welles,
comienza con un plano detalle durante unos segundos, y luego
sigue con varios movimientos de cámara para desplazarse cámara
al hombro, subirse en una grúa. Son 3 minutos memorables por
la puesta en escena tan compleja que tiene.
Ya en el siglo XXI, uno de los planos secuencia
más celebrados de los últimos años es este que hizo Quentin
Tarantino en la primera entrega de Kill Bill. Combina diferentes
movimientos de cámara, recurriendo a una steadicam, y a una
grúa. Estuvieron ensayándolo durante dos semanas para que
todo saliese perfecto.
En el año 2000, 5 años después de haber
triunfado en los premios Oscar y en el Festival de San Sebastián
con Leaving Las Vegas, Mike Figgis hizo Timecode, película
experimental de metacine, formada por cuato planos secuencia
continuos de 93 minutos cada uno. El espectador puede ver
de forma simultánea cuatro puntos de vista distintos, y narra
la preparación de una película.
En 2002, el cineasta ruso Alexander Sokurov
consiguió con su película El arca rusa (2002) rodar por una
película íntegramente en plano secuencia, usando una Sony
F900, y grabando en un disco duro en ALTA DEFINICIÓN. La película
muestra 33 habitaciones del Museo Hermitage de San Petersburgo.
Cuenta con 2000 personas delante de cámara, entre actores
y figurantes. Y hay 3 orquestas tocando en directo. El plano
se ensayó durante varios meses con 22 ayudantes de dirección.
Y se consiguió hacer bien tras cuatro tomas. El plano fue
rodado en steadicam por el operador alemán Tilman Büttner.
También hay otra película mexicana del mismo año que se llama
Tiempo real, y que se presenta como la primera película de
la Historia rodada en una sola toma, logrando el Récord Guiness.
Aunque no tuvo la proyección internacional que sí tuvo El
arca rusa. Y además, hay al menos 3 largometrajes anteriores
a la película de Sokurov, que ya se habían rodado en una sola
toma. Por ejemplo, Timecode, de Mike Figgis, dos años antes.
Pero bueno, sí que podríamos considerar Tiempo real como la
primera película de habla hispana rodada en plano secuencia
de una sola toma. Eso no se lo quita nadie.
Aparte de El arca rusa, Victoria (Sebastian
Schipper, 2015) es probablemente la película rodada en una
sola toma más reconocida e influyente del cine europeo en
los últimos años. Es un gran ejercicio técnico y artístico,
ya que dura 140 minutos, está rodada de noche, y transcurre
por multitud de lugares de la ciudad de Berlín. Para poder
financiarla, Sebastian Schipper tuvo que rodarla primero de
una forma convencional, y así convencer a los inversores de
que, si salía mal y no lo lograban, al menos tendría una versión
de respaldo. El guion tenía apenas doce páginas, y los actores,
entre los que brilla la actriz española Laia Costa, tuvieron
mucho margen de improvisación en los diálogos.
El plano secuencia no es sólo un recurso para
el cine. También tenemos ejemplos de planos secuencia memorables
en series de televisión como Expediente X, Band of Brothers,
Fargo o True Detective. En el caso de esta última, el director
de la primera temporada, Cary Fukunaga, elaboró una compleja
puesta en escena para una detención en un suburbio durante
el episodio 4 de la primera temporada. Pero, sin duda, el
plano secuencia más viral en una serie de televisión de los
últimos años, es el del episodio 3 de la primera temporada
de Kidding (emitida en Showtime). Aquí puedes ver cómo en
el interior de un salón, se cuentan varios años de la vida
de la protagonista en una sola toma. Fue espectacular el trabajo
del equipo técnico para ir modificando el decorado mientras
que la steadycam se detiene en la televisión, y escuchamos
a Jim Carrey en pantalla.
El uso del plano secuencia es algo muy habitual
en los videoclips, en todo tipo de estilos musicales y con
diferentes presupuestos. Por ejemplo, el Wannabe de las Spice
Girls, que nació como un producto para llegar a las masas
y obviamente tuvo un altísimo presupuesto.
Pero el plano secuencia en los videoclips no
es solo para producciones de grupos conocidos. El modesto
vídeo de la canción Oraçao de A banda mais bonita da cidade
logró un plano secuencia espectacular sin apenas presupuesto.
El grupo brasileño acumula con este videoclip más de 48 millones
de reproducciones, donde además graban la música en directo
mientras filman.
Pero si hay alguien que haya rodado auténticos
prodigios visuales recurriendo al plano secuencia es el francés
Michel Gondry. Aquí sólo un ejemplo, de los varios que tiene,
y su correspondiente making of. Como verás, se trata de un
plano secuencia infinito, y con truco.
Otro grupo que se ha hecho famoso por el uso
de este tipo de planos es Ok Go. El primer vídeo que los catapultó
a la fama fue un plano fijo en el que hacen una coreografía.
A partir de ahí, se han ido superando en cada vídeo, con ideas
bastante locas.
Los cortos tienen su hueco. Ten minuta, de Ahmed
Imamovic (2002), aunque no está rodado íntegramente en plano
secuencia, su principal valor es un gran plano secuencia que
trata de teletransportarnos al día a día de un niño que vive
en una zona de conflicto bélico. Es una auténtica pasada el
plano en concreto. Y no me extraña que ganase el premio a
Mejor Cortometraje Europeo. No está disponible en castellano,
pero lo vais a entender igualmente. Los diálogos no son fundamentales
para comprender lo que nos quiere transmitir el director.
Por último, Pipas, de Manuela Moreno (2013),
un cortometraje sencillo que ganó Mejor Dirección y Mejor
Guión en Notodofilmfest, y estuvo nominado a los Premios Goya.
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